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もとは美術展評のブログ 絵画と映画と小説と、そして哲学を少々

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村上隆の《おたく》 と 田中功起の《バラエティ》 : 「芸術における協働の問題」(改題)

奈良美智の「制作風景」のビデオ(注1)には「制作学(術)」の真髄がある。

奈良は絵師と彫師と摺師を一人でやってのける。たとえば、彼はいろいろな方法で線を描く。筆を長く持って、腕を伸ばして描いた少女の顔の輪郭線を、内側と外側から刷毛の角を使って整える。はみでた絵具をティッシュで拭き取ることもある。この方法は彫師が一本の線を彫るために、両側から二本の輪郭線を彫る方法と似ている。絵師が大雑把に描いた櫛の目や髪の毛を彫師が一本ずつ細密に彫っている。

奈良は摺師の技法も使う。薄いアクリル絵具を下の色も見えるように重ね塗りしたり、アクリル絵具をティッシュや刷毛で伸ばしたり、擦ったりする。奈良は「これは化粧です」と言っているのだが、摺師の「重ね摺り」や「ぼかし摺り」の技術に通じる。浮世絵師たちが分担してやっていることを奈良は一人でやっているわけだ。

いまここで問題にしたいのは、田中功起がインタビューで提起した「芸術に於ける協働の問題」である。技師の仕事と違って「芸術家の仕事は個人的なものだ。ーたとえば絵を描くことー それは役割分担という考えには馴染まない。芸術家の仕事は有機的なもので、もし、参加者が一緒になにかを創造したいと思うなら、民主的に協働しなければならない。」と、田中は言う。芸術家の仕事は有機的なものだと言えば確かにそうだろう。しかし、その有機的な芸術が民主的な協働で上手くいくかどうかは疑問だ。

協働がうまくいっている例を考えてみよう。上で挙げた「浮世絵木版画」の例では、コミュニケーションや段取りが必要だが、民主的に協働しているわけではない。版元が一番力をもっているけれど、絵師彫師摺師は人気や技量によって力関係は変わるだろう。もっと分かりやすい例は村上隆の工房システムだ。彼は最初は芸術家の自由を尊重して工房を梁山泊にしよとして失敗した。そして今のような詰め込み型のスタッフ方式に変えたという(『創造力なき日本』村上隆著)。もちろん村上が統括して、タイムテーブルにしたがって、反省し、話し合い、次の作業のための指示書をだしている。

「浮世絵」(北斎漫画は例外)や「村上工房の作品」に共通していることは、ともに工芸品の性格を強く持っていることだ。田中のプロジェクトの三つの中で陶芸が一番工芸的である。工芸の職人的な技は段取りさえ決めておけば協働は易しい。反対に芸術性や独創性が高いものは協働になじまない。たとえば、ポロックの《ポード絵画》は、一見して、協働が上手くいきそうだが、四五人で描いたら決して優れた作品にはならない。ポロックは簡単そうに見えて誰にも真似ができない。それに対して、白髪一雄の足で描いた抽象画は段取りさえ決めておけば、優れた作品は無理にしても、白髪よりマシな抽象画が出来上がる可能性はある。何故か、それはポロックはアクション・ペインティングではないが、白髪は文字通りのアクション・ペインティングだからだ。

田中功起は自分のプロジェクトが失敗したり成功したりすると言っているが、何をもって成功といい、何をもって失敗というのだろうか。そもそも、浮世絵版画も村上工房も作品を作るための協働だ。それなら田中功起のプロジェクトの作品とは何か。ことさらに作品をプレゼントし、評価することもないところをみれば、重要なのはサントラでも陶器でもヘアスタイルでもないようだ。とすれば、インスタレーションで上映している《ビデオ》が作品ということになる。プロジェクトは本来一人でやることを複数の参加者で行い、協働が上手くいくかどうか観察し、それまで気づかなかったことを明るみにするのがプロジェクトの主旨なのだから、その過程を記録したビデオが作品になるのは当然だとして、もしプロセスが重要だというなら、田中功起自身が言っているように、失敗は失敗ではなくなる。ところが、皮肉なことに、この「失敗は失敗ではなくなる」というプロジェクトの便利な性格が、このプロジェクト全体を失敗に導くのだ。

まず、ビデオを見てみよう。最初の印象は「既視感」だった。出来の悪い「NHKのドキュメンタリー番組」に見えた。次に思い出したのは「パラエティ番組」だ。こんな変なことをやらせて笑いをとる番組が沢山あった。なかでも松本人志が優れていた。彼のひねりは一回ではなく、二回だった。お笑い番組だから、ワザと失敗したり、反対のことをしたりして、笑いをとる。私も実は、バリカンで刈らないか、ピアノを足で弾かないか、粘土の器に穴をあけないか、密かに期待したけれど、何も起きなかった。つまらない。しかし、我慢して見ていると、何か変なのだ。陶工のプロジェクトの最後で、一人の陶工がこれ以上、協働は続けられないと言って、その理由を述べ始めるのだが、取ってつけたようで、ワザとらしい。

早送りで他のプロジェクトのビデオも見たけれど、やはり態とらしいところがある。「やらせ」に見えるけれど、これはヤラセではない。初めての参加者はこの多人数で一つのことを同時にやるというプロジェクト興味を示し参加できることを喜んだという。それで、参加者はアーティスト田中功起の意図を汲んで自分から積極的に協力したのではないか。それでは慣れ合いになって、思いもかけないことなど起こりようがない。ただ、白けるばかりだ。

勿論これはお笑い番組としては失敗だが、コンセプチャル・アートとしては失敗ではないと言うだろう。失敗にはベタな失敗とメタな失敗がある。連帯協働には相手の意図を忖度して協力することが重要だ。忖度しすぎて失敗することもあるからコミュニケーションが大切だなどと、言おうと思えば言えるわけだけれど、グループ作業に参加した者同士ではなく、いわば被験者が被験者同士のコミュニケーションではなく、実験者とのコミュニケーションを優先した結果、「擬似的ヤラセ」が生じてしまったのだ。もちろここでは皆をまとめるための言わずもがなの提案も「ヤラセ」に含まれる。社会心理学的実験では常に起こりうる失敗だから、そのための方策はいろいろあるのだろうが、詳しくは知らない。ひとつには報奨の問題がある。みんなで協力してそれなりの作品を作るよりも、自分だけ実験者に喜んでもらえる方が満足度が高いのだ。

実験が終われば、参加者に面接をしたり、ビエンナーレの前後には会議をするのだろうが、しかし、ああ言えばこう言うのは会議であって、作品制作の協働ではない。制作学の視点から奈良美智の「制作風景」のビデオと田中功起の「プロジェクト」の記録ビデオを見れば、面白いのは言うまでもなく奈良のビデオだ。ちょうど、ニョウボが油絵具からアクリル絵具にかえて使い方が分からなくて困っているときに見た。奈良は惜しげも無くアクリルの使い方の秘密を見せている。アクリル絵画の入門書が沢山あるけれど、本当に役立つのはこの奈良美智のビデオだろう。一人で描く奈良の絵画と複数人で分担する浮世絵の線の違いが面白い。

以上で一旦終わるが、私は田中功起を否定しているわけではない。この問題はもともと田中功起のヴェネチア・ビエンナーレ2013年のいわゆる受賞に、村上隆などの「Tokyo Pop」の時代は終わってこれからは田中功起の「ライト・コンセプチャル・アート」の時代だという小松崎拓男のコメントから始まっている。確かに村上と田中は対照的な二人である。片方は絵画彫刻の作品があり、もう片方は作品といえるのはビデオだけである。しかし、両者はサブカルチャーという視点から見れば、村上隆は漫画アニメおたくの影響を受けているし、田中功起は日本のバラエティの手法を使っており、ともにジャポニズムなのだ。

村上隆も田中功起もともに欧米への売り込みに長けている。その意味では二人とも「スーパージャポニズム」といえるのだが、田中功起の戦略は明らかに「バラエティ番組」の「フォーマット販売」の手法を使っている。このことはいずれ詳しく分析するつもりだが、ともかく田中功起の「日常的なものと政治的的なものの間に橋を架ける」という来年のベルリンでの個展が俄然楽しみになってきた。

注1:『奈良美智の線』 http://petapetahirahira.blog50.fc2.com/blog-entry-914.html / 『奈良美智とビール』 http://petapetahirahira.blog50.fc2.com/blog-entry-916.html
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2014.10.09[Thu] Post 23:55  CO:0  TB:0  奈良美智  Top▲

奈良美智とビール

『奈良美智の線』()で、「奈良美智は浮世絵の絵師と彫師と摺師を一人でやっている」と書いた。

奈良の《作業風景》()を見ると、彼の制作方法が浮世絵師たちの職人仕事に見える。さまざまな種類の絵筆を使い分け、壁に掛けたキャンバスを上下左右向きを変えるのは、彫師が多種類の彫刻刀で、版木を回転させながら彫っていくのに似ている。また、キャンバスをテーブルに水平に置き、刷毛で絵柄に関係なく絵具や水を塗っていくのは、摺師や経師の仕事を思い出す。奈良美智は職人なのだ。

職人と言えば、奈良がビールをラッパ飲みして一服する。彼は「マイスターシューラー」を取得している。マイスターというのはドイツの徒弟制度の親方のことで、そうであるなら、奈良はGeselle(職人)より上の親方見習いのようなものか。詳しくは知らないけれど、ドイツでは絵描きは職人なのだ。今はそんなこともないのだろうが、仕事の途中に職人はビールを飲む。奈良はデュッセルドルフの芸術アカデミーで学んでいるのだから、学生仲間の習慣を身につけたのかもしれない。

ドイツの絵描きが職人だということは、なにもビールを飲むことではなく、絵描きは手仕事だということだ。そのことで思い出すのはゲルハルト・リヒターだ。リヒターは「絵画についての絵画」を描く現代美術家なのだが、それ以上に、東ドイツの芸術アカデミーで美術教育を受けた職人でもある。同じように東ドイツで美術教育を受けたポルケやバゼリッツがポップ・アートの毒に侵され、芸術理論を振り回して、手仕事のことなどすっかり忘れているのに比べ、リヒターは職人の手仕事を忘れていない。彼の最近の《squeezed painting》はポロックの《poured painting》に劣らず、「描くことと偶然性」が融合している。

日本の現代美術家で職人気質といえば奈良美智のほかに、「鶴の恩返し画家」を自称し、面相筆をなめなめ《灰色の山》を描いていた会田誠がいる。彼の《あぜ道》のお下げの分け目や《犬》シリーズの包帯の編み目は微細を通り越して崇高といえる。その会田も「俺はもともと思想とコンセプトのあるポップ・アーティストだ」と至極もっともなことを言って転向してしまった。

もはや、日本の現代美術家で手仕事を好むものは少ない。岡崎乾二郎がかろうじて図画工作の手遊びをしているぐらいだ。話題になるアーティストといえば、誰もが真似できるような 写真やPCを使ったもの、作ったそばから古くなる新奇珍奇なオブジェやインスタレーション、あるいは「くだらねぇー」と褒めてもらえるパフォーマンスばかりだ。

そんな現代美術のなかで、職人の手仕事が評価される余地はない。というよりも話は逆で、手が働かない連中でも何とか工夫すれば、自分でもアーティストになれるジャンルとしてうまれたのが「現代美術」なのだ。その象徴的なシーンは、例えば遠藤一郎がペンキローラーで壁に虹を描いたり、「おまえらが大好きだ」とベタなメッセージを書くような《Live》に大勢の観客が集まることだ。彼らの多くはアーティストを目指している美大生や若者なのだろう。「愛と平和と未来のために」とヒッピーのようなスローガンを掲げ、退屈なパフォーマンスを諦めずにやり続けることでアーティストとして認められるようになった遠藤一郎は彼らの理想なのかもしれない。

いま、現代美術の主流はウォーホル流のポップ・アートだ。ポップはその背後に思想やコンセプトがあるという。キャンベル・スープ缶のようなこれまで誰も描いたことのない普通のものを普通に描けば、それが「新しい」芸術になる。新奇珍奇が求められるのは表現対象だけではない、表現技法や素材の新しさもポップになる。彼らはハイカルチャーとサブカルチャーに差はないと宣言する。いっとき「ヘタウマ」が流行り、デジタル・カメラを「買ったその日からあなたもアーティスト」どころか、データベースを漁ればカメラはいらない。粘土の代わりにLegoを使えばアートになる。アイデアさえあれば、外注しても良いことになった。こんなポップ・バルブのなかで手仕事の出る幕はない。

しかし、職人だからと言って魅力的な線が描けるわけではない。工芸品のような決まりきった職人の手仕事はむしろ図案化した線になる。奈良美智は線がマンネリ化しないように段取りを固定しない。下絵を描かずに、ゆきあたりばったりの部分を残している。

職人気質の画家がマンネリに陥らないためには、奈良のような工夫も有効だろう。しかし、それだけでは器用仕事(ブリコラージュ)で終わる。マチスは職人気質の画家だった。そのマチスがアラゴンの「修練の腕の冴え」という褒め言葉に答えて、「手の修練ですが、それに対しては私は強いて修練による手振りを忘れさせようとしてきたのです・・・・おわかりでしょう。鉛筆の筆使いというやつ・・・・」と言っている。マチスは線と色の永遠の葛藤の中で、モデルとの格闘であるデッサンを死ぬまで続けた。

奈良美智は少女を想像で描いている。それではいずれピカソのように行き詰まる。ジローの証言によれば、ピカソは想像や記憶で描いて、モデルを見ながら描かなかったという。奈良に必要なのは手順の工夫ではなく、モデルを目で見て、手で描くことの修練だ。絵を見ることは、何度でも繰り返すが、「(二次元の)知覚に基づいた(三次元の)想像」だ。そうであるなら、ヌードデッサンは「(三次元の)知覚に基づいた(二次元の)想像」ということになる。

西欧で評価された日本のサブカルチャーの絵師といえば北斎だろう。北斎が他の浮世絵師と異なるのは、彼が浮世絵よりもデッサンで高く評価されていたことだ。なかでもすぐれた素描家だったマチスがアングルの「デッサンは芸術の誠実さである」という言葉を引用して、正確さばかりを要求するアカデミーの石膏デッサンや裸体デッサンを批判しながら、他方で北斎のデッサンを褒めているということは、北斎の線には正確さを超えた西欧のモダニズムの精神が宿っているということだろう。

北斎漫画のデッサンが骨格筋肉の解剖学的正確さに欠けるけれども、線の流れや運動の把握に優れているのは、職人たちが尻を端折り、ときには褌すがたの裸で働いていたからだろう。それに相撲もあったことだし、北斎はいわばヌードデッサンをいつでもやることができたのだ。

北斎のデッサンがマチスに影響を与えたことは、《ダンス》シリーズなどを見れば想像がつくが、春画の影響はどうだろう。西欧では北斎漫画のデッサンの評価に比べ春画の評価は低くいようだが、それは表立って言わないだけで、マチスが北斎の春画を見ていたのはまちがいない。マチスは友人のマルケを「わが北斎」と呼んでいたという。そのマルケにはレズや男女の性行為の素描や挿絵が多いのだから、「わが北斎」というのはもちろん「春画」を含めての北斎のことだ。

北斎漫画の線を通して日本の浮世絵はマチスのモダニズムの線に繋がっている。ところが、明治維新以来の日本の近代美術は、日本画も洋画も北斎の「知覚に基づいた想像」というモダニズムの線を受け継ぐことはしなかった。目はひたすら西洋に向いていた。東京美術学校の洋画科の設立に関わった黒田清輝はフランスのアカデミーの石膏デッサンからヌードデッサンへのカリキュラムを導入し、みずからも三連幅の裸体画《智・感・情》を描いたが、それは理想化された裸体婦人が日本的な表情仕草をしている折衷的な主題絵画で、パリ万博で銀賞だったというけれど、奇妙なジャポニスムと言うほかない。

ところが、Kaikaikikiが「黒田清輝へのオマージュ」として、おたくのイラストレーターに依頼して今風のフィギュアの体型(?)をした《智・感・情》を制作した。椹木野衣は「近代における日本画と洋画の分裂をオタク文化を芯に再統合し、しかもそれをアートとして西欧近代に送り返すという『4種混合画』を驚くほど高い次元で完成させている」というのだが、黒田清輝の《智・感・情》の表現自体がすでに日本的なものと西欧的なものの折衷だったのだ。

Kaikaikikiは黒田清輝の百年前の和洋折衷の《智・感・情》を模写したことになる。あらたにオタク趣味が付け加わっているけれど、「アートとして西欧近代に送り返す」とは夜郎自大もいいところだ。Kaikaikikiは《智・感・情》によって日本の絵画が百年前と何も変わっていないことを示したのだ。フランスのモダニズムは浮世絵から多くのことを学んだ。なかでもマチスは北斎のデッサンを讃えた。しかし、日本の近代美術は洋画も日本画も北斎を黙殺した。日本の絵画が復活するには、北斎に戻って再出発するほかないだろう。




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2014.07.27[Sun] Post 00:22  CO:0  TB:0  奈良美智  Top▲

『奈良美智の線』

だいぶ前に、奈良美智がテレビなどで話題になった。「癒し系」だとか「意地悪キャラ」だとか言われていた。実作を初めてみたのは『横浜トリエンナーレ』だった。ニョウボ(佐藤順子)は『トリエンナーレ』で一番よかったのは、奈良美智の《犬》のインスタレーションだったと言って5800円のミシン目が入った画集を買った。私には何処がいいのか分からなかったので、5800円の出費には不満だった。

そのあとしばらくして原美術館に行ったら、奈良美智の部屋《My Drawing Room》が設置されていた。実際に奈良が展覧会準備のために使った部屋を常設展示にしたそうだ。内部を見ると美智グッヅを並べたFancy Shopのように見えた。わたしはニョウボに「ほら、見なさい。奈良美智はやっぱりキャラクターのデザイナーじゃないか」と一矢を報いたつもりになった。

最近も「奈良とラッセンはファンが同じ」というギャラリストの発言に奈良が反論して、炎上騒ぎがあった。確かに質は違うだろうが、「治療法としての芸術」(ロバート・ヒューズ)を求めている点では似ているというのが大方の理解だったのではないか。()

ところが、最近ニョウボが、油彩からアクリルにメデュームをかえたのだが、アクリルではDrawingの線がうまく引けないと悩んでいた。「アクリル入門」の類を読んでみたが役に立たなかった。そこでネットを検索したら、調度いい具合に、綿布にアクリルで描いている奈良美智の作業風景の動画を見つけた。




筆を長く持って腕を伸ばして大まかな輪郭を描いていく。両目が離れているけれど、少し横を向いている顔に目や口がちゃんとした位置に描かれていく。後はいろいろな種類・号数の筆を使って、壁に掛けたキャンバス(パネル?)の向きを変えながら描いていく。アクリルの速乾性と乾いた後の耐水性を利用して、ドライヤーで乾かしたり、薄くしたアクリルを重ね塗りし、不必要なところをティッシュで拭き取ったりする。線や輪郭も同じような手法で雑で歪んだ線を奈良独特の優美で、しなやかな線に変えていく。

アクリル絵具を水で濡らしたティッシュや綿棒で拭き取る方法は既に佐藤順子も使っていた。しかし、その方法で線を描くというのは奈良独自のものだ。ちょっとした汚れは指先で擦りとっていた。最近の流行りは面相筆で一本の線を一晩掛けて描くという町田久美のような手法だろう。町田久美の線はややもすれば、ぬり絵の線のような硬いぎこちない線になる。

それはともかく、奈良の描画の秘密は、おおまかな線は大きな筆を長く持って腕を伸ばして描き、細部になるに従って、細い筆を短く持ち、腕を曲げて描く、そして最後には、ドライヤーで乾かした支持体に手をつけて、(色)鉛筆で仕上げをするという段取りである。下絵なしで描くのだが、いったん輪郭線や目鼻の位置が決まると、あとは細部の修正を重ねながら速やかに絵は仕上げられていく。

奈良美智は浮世絵の絵師と彫師と摺師を一人でやってのける。動画の最後のカットに壁に貼った写楽の大首絵がちらりと見えた。ニョウボ(佐藤順子)は、「今、日本で一番、線が描ける画家かもしれないわね」とボソッと言った。

スレッド:art・芸術・美術 / ジャンル:学問・文化・芸術

2014.07.09[Wed] Post 12:08  CO:0  TB:0  奈良美智  Top▲

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